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2020年是泰特现代美术馆（Tate Modern）开馆20周年。这座由发电厂改造而成的美术馆，已经成为全球最著名的当代艺术据点之一。
从1995年的招标竞赛开始，瑞士建筑师、普奖得主赫尔佐格与德梅隆前后对老发电站一共改造了3次。包括2000年赢得竞赛后对发电站的改造、2005年的内部空间设计，以及2016年在发电站南侧油塔基础上新馆（Switch House）的设计。
2000年的老发电站改造，赫尔佐格与德梅隆采取克制的空间策略，在原先的涡轮大厅基础上，为美术馆留下纵向的长坡和高敞的空间，这次改造一度被赫尔佐格称为“职业生涯的最佳作品”。涡轮大厅从此也成为了泰特最标志性的展览空间，从路易丝·布儒瓦的蜘蛛，到奥拉维尔·埃利亚松的太阳，或是卡斯滕·霍勒的滑梯，艾未未的葵花籽……涡轮大厅在过去20年为建筑空间与艺术创作的结合，给出了世界上最精彩的回答。
为纪念泰特开馆20周年，AnOther杂志专程总结了十场在涡轮大厅举办、惊艳了世界的展览。快来看看你印象最深的是哪一个？
希望疫情过后，我们都能尽快与下一场展览相见：）
路易丝·约瑟菲娜·布儒瓦，出生于法国巴黎，法裔美国艺术家，于1938年定居美国。一开始创作绘画及平面雕刻，1940年代后从事雕刻艺术，多以青铜、大理石、乳胶等为素材。
涡轮大厅的第一场展览，展示了极具创造力的法裔美国艺术家路易丝·布儒瓦的作品。她在2000年迈入自己职业生涯的第八个十年，仍然和她在1930年代开始创作时一样多产。在这场名为“I Do, I Undo, I Redo”的展览里，路易丝在涡轮大厅里安装了三座30英尺高的钢塔，每座塔都有螺旋楼梯可登上观景平台，几面圆形的镜子则被布置在平台上方，还有母亲和孩子的雕塑。路易丝著名的雕塑Maman，一只巨大又细长的由青铜、不锈钢和大理石制成的蜘蛛，也作为涡轮大厅首展的一部分亮相泰特现代美术馆，并继续作为艺术家最受好评的雕塑作品之一。
阿尼什·卡普尔，出生于印度孟买，印度裔英国雕塑家，自1970年代初移居伦敦学习艺术以来，一直在伦敦生活和工作。他先是在霍恩西艺术学院，后来又在切尔西艺术与设计学院学习，擅长于装置艺术和观念艺术。
阿尼什·卡普尔以创作巨大的雕塑作品而闻名。2002年在泰特涡轮大厅展出的《玛尔叙阿斯》（Marsyas）是对一次对艺术史上被大量描绘的希腊神话的现代演绎，一个关于萨提尔的玛尔叙阿斯与太阳神阿波罗的故事。玛尔叙阿斯在与阿波罗进行音乐比赛后，因向神挑战而被阿波罗活剥了皮。卡普尔的巨型角管雕塑——玛尔叙阿斯在故事中所吹奏的乐器形象——填满了涡轮大厅的整个空间，雕塑由深红色PVC制作而成，“就像被剥落的皮”，卡普尔当时如是说。
奥拉维尔·埃利亚松，丹麦裔冰岛籍艺术家，以雕塑和大型装置艺术闻名。他善在作品中使用光、水等元素或调节空气温度以增强观赏体验。1995年，他在柏林创立了奥拉维尔·埃利亚松工作室，该实验室专注于进行空间研究。
一轮悬挂在涡轮大厅顶部的太阳发出耀眼黄色光芒的景象，已经成为载入泰特史册的名场景。这个令人印象深刻的气象艺术装置，由丹麦-冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松构思，他用一系列灯具和烟雾机复制了一个升起的太阳，大厅天花板上的一面镜子则反射着下面的参观者。这个装置在六个月的时间内吸引了200万人前来参观。
“一件艺术品开启了一段叙事，但在解读它的时候，我把公众视为协作者，而不仅仅是观看者，”2018年埃利亚松接受AnOther杂志采访时曾如此表示：“我不想告诉他们（观众）应该想什么，而是希望建立起一种对话——对话的质量既取决于你，也取决于我。”
雷切尔·怀特里德，英国艺术家，主要创作雕塑，浇筑是她常用的形式。怀特里德曾于1993年获得年度透纳奖，是获得该奖项的第一位女性。同时她也是1997年参加皇家艺术学院（Royal Academy Sensation）展览的英国年轻艺术家之一。
2005年，英国艺术家雷切尔·怀特里德在涡轮大厅里布置了一系列半透明的聚乙烯盒子，这些盒子一个摞在另一个上面，形成了塔楼和街区，观众可以在其间行走。这些立方体从纸板箱内部浇筑成，因为展览主题“EMBANKMENT”的起源是怀特里德在已故母亲的遗物中发现了一个破旧的盒子。把涡轮大厅当作一个巨大的仓库，雷切尔·怀特里德说她当时一直在考虑《夺宝奇兵》里最后的场景——这个作品表达了储藏、财产、容器和内部空间的概念。
卡斯滕·霍勒，德国艺术家，现居于瑞典斯德哥尔摩。霍勒在1990年代与一群艺术家一起开始崭露头角，他们跨越学科重新想象艺术的体验与空间。霍勒在作品中常常创造出对人们熟悉的感知形式提出质疑的情境，并允许参观者在自己身上进行实验。它们的形式有时会让人想起科学实验室，观看者仿佛成为实验的对象。
在卡斯滕·霍勒的“试验场”（Test Site）里，涡轮大厅里安装了五个螺旋管滑梯，连接着美术馆的每一层。“滑梯可以快速、安全、优雅地带人们去到他们想去的地方，滑梯造价低廉，运转起来却非常高效。”艺术家如此表示，就连PRADA艺术总监缪西娅·普拉达都邀请卡斯滕·霍勒在自己米兰的办公室里安装了一个这样的滑梯。“滑梯同时也是一个体验某种介于喜悦与疯狂之间的独特情感状态的工具。在1950年代，法国作家罗杰·卡洛斯（Roger Caillois）曾将其描述为‘在清醒头脑里出现的一种妖魔化恐慌’”。
桃乐丝·萨尔塞多是出生于哥伦比亚的视觉艺术家和雕塑家。她的作品受到在哥伦比亚的生活经历的影响，通常由普通物品如木制家具、衣服、混凝土、草和玫瑰花瓣组成。萨尔塞多的作品在为个人和集体哀悼创造空间的同时，为痛苦、创伤和丧失提供了形式。
哥伦比亚艺术家桃乐丝·萨尔塞多2007年在涡轮大厅给观众留下的深刻印象，至今仍保留在那个空间里——在倾斜的地板上有一条模糊的填入的伤疤。萨尔塞多将涡轮大厅本身作为她创作的材料，而不仅仅是她作品的展示空间，敲裂了大厅的混凝土地板。“通过打开博物馆的地板，萨尔塞多暴露了现代性本身的裂痕，”泰特现代美术馆表达出了萨尔塞多设想的巨大鸿沟，艺术家本人表示，此作品讲述的是现代世界中种族主义和殖民主义的漫长历史。
艾未未，活跃于建筑、艺术、影像、推特和社会文化评论领域的中国艺术家。他是一个积极的行动者，他认为“行为即艺术，即自由表达”。
艾未未在2010年的装置作品《葵花籽》（Sunflower Seeds）中，用1亿个手工制作的陶瓷葵花籽复制品覆盖了涡轮大厅的整面地板。这些种子在景德镇的各个作坊中绘制与制作而成。艺术家当时这样描述：它不仅仅是一种零食，它是构成人们最基本的需求和欲望必不可缺的成分。制作大批量陶瓷种子的工作，制作每一颗种子所需要的复杂技能，突出了在迅速变化的社会里大规模生产与独立个体的构想。
塔西塔·迪恩，英国视觉艺术家，主要从事电影创作。她曾于1998年获得透纳奖提名，并于2006年获得雨果·博斯奖，于2008年入选英国皇家艺术学院。她在德国柏林和加利福尼亚州洛杉矶生活和工作。
塔西塔·迪安名为“电影”（Film）的艺术项目，被投射到一个高耸的白色巨石上，让观众在一片漆黑的空间里观看。这部长达11分钟、完全无声的35毫米电影作品被泰特描述为“超现实的视觉诗歌”，包括自然的景象、艺术作品的隐喻和梦幻般的片段。迪安在制作过程中耗费了大量的劳动和时间——作品中使用的大部分模拟胶片都是手工着色的，凸显了胶片制作的复杂性，因为艺术家希望展示“最纯净的胶片”。
亚伯拉罕·克鲁兹维尔加斯是来自墨西哥的视觉艺术家。他以对现成品所创作的艺术闻名。
2015年，墨西哥艺术家亚伯拉罕·克鲁兹维勒加斯在涡轮大厅里安装了一系列三角形木植物床，作品名为《空地》（The Empty Lot）。在为期6个月的展览期间，这些植物床被照明并浇水，填满来自伦敦各个公园的泥土，包括佩卡姆、哈林盖和威斯敏斯特的一些公园。在整个展览过程中，尽管没有专门种植的植物，参观者还是可以看到植物床内的变化。“我们用小粘土碗作为第一层，然后堆肥，然后是来自公园的土壤，或许有些东西就可以从中冒出来，比如隐藏的根，”艺术家表示：“我并不是希望会发生什么事情，我只是希望它能持续下去；涡轮大厅的宏伟规模令人印象深刻，但真正的戏剧变化是微观的。”
卡拉·沃克是美国当代画家、剪影、版画、装置艺术家和电影制作人。她在自己的作品中探讨了种族、性别、性、暴力和身份认同等话题。她最著名的作品是房间大小的黑色剪纸造型过场动画。
涡轮大厅最近迎来的一位艺术家是卡拉·沃克，她的作品“Fons Americanus”是为了回应维多利亚纪念堂而设计的——这位纽约艺术家在访问伦敦时在白金汉宫外看到了维多利亚纪念堂。沃克创造了一个13米高、一直在工作着的喷泉。在这个具有讽喻意义的喷泉里，人物、动物和物品的雕塑共同构成了对这些历史遗迹的颠覆性诠释，暗指黑色大西洋和欧洲及其他地区的奴隶贸易历史。“我对恢弘的主题和渺小的人类弱点感兴趣，无论是宏观的还是微观的”，沃克这样描述道。
文章信源：
https://www.anothermag.com/art-photography/12505/tate-modern-turbine-hall-20-years-louise-bourgeois-ai-weiwei-kara-walker
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